Золотая коллекция Приморской Мариинки. "Трубадур", достойный "Золотой маски"

Долгожданная постановка оперы "Трубадур" (12+) великого маэстро Джузеппе Верди наконец-то увидела свет на Приморской сцене Мариинского театра. Первый премьерный показ состоялся в пятницу, 23 мая, и, по мнению обозревателя ИА PrimaMedia Александра Куликова, он стал настоящим триумфом искусства.

Казалось, в этот вечер сошлись все звезды: блестящий состав исполнителей (солистов, хора, артистов миманса и балета), великолепный оркестр под управлением главного дирижера Приморской сцены Мариинского театра Павла Смелкова и удивительная сценическая интерпретация оперы, воплощенная режиссером-постановщиком Вячеславом Стародубцевым вместе с художником-постановщиком Петром Окуневым и другими членами постановочной группы.  

Лаконичность декораций удивительным образом не умаляла масштабности постановки. Каждый элемент на сцене был продуман до мелочей и гармонично переплетался с костюмами и игрой артистов. Это наглядно продемонстрировало, что настоящий оперный спектакль — это не просто вокальное исполнение, а полноценное театральное действо, где музыка, драматургия и актерская игра сливаются воедино. И очень хорошо, что "Трубадур", одна из самых топовых и трудных для исполнения опер в мире, пополнила репертуар Приморской Мариинки именно в такой редакции.  

Ожившая фреска с "плясками смерти" 

О "Трубадуре" было написано очень много. Пишется и сейчас и, наверное, будет написано в будущем. Благо для этого есть все основания, главное из которых — сама музыка Верди, головоломные партии, требующие мощный исполнительский состав, и бесконечные хиты, вызывающие сильные эмоции у зрительного зала. И по тому, как справляется с этим труппа и оркестр, можно судить об уровне театра.  

Однако мало кто задумывался над тем, что даже в ряду обычных для Верди "черных" опер (то есть опер, где обязательно кто-то умирает, кончает с собой или погибает) "Трубадур", где в конечном итоге дело оборачивается пятью трупами, занимает особое место, поскольку в данном случае смерть, причем реальная, а не придуманная, присутствовала еще в процессе создания оперы.

В 1852 году, не окончив работу над вторым вариантом либретто по романтической драме испанского драматурга Антонио Гутьерреса "Трубадур" (12+, 1836 год), умирает друг Верди поэт, драматург и либреттист Сальваторе Каммарано (он успел дойти до четвертой, заключительной части "Трубадура", в которой и происходят все ужасные убийства в этой опере). Работу над либретто завершил поэт Леоне Бардаре. Но, думается, потрясение Верди от смерти Каммарано не могло не повлиять на общую тональность "Трубадура". Смерть, настоящая смерть заглядывала через плечо композитора в создаваемую им партитуру.

Легко предположить, какие чувства испытывали зрители, собравшиеся 25 сентября 2015 года в нью-йоркском театре "Метрополитен-опера" на спектакле (12+) по опере "Трубадур" с участием Дмитрия Хворостовского (партия графа ди Луна). В июне 2015 года всемирно известный баритон, начинавший карьеру в Красноярском государственном театре оперы и балета, объявил на своем официальном сайте о выявленной у него опухоли мозга, объясняющей возникшую у него депрессию, апатию, "черное восприятие мира", пессимизм и даже нежелании жить. Певец принял решение пройти курс лечения в лондонской онкологической клинике "Роял Марсден", после чего возобновил певческую деятельность именно "Трубадуром" в Нью-Йорке.

"При первом появлении Хворостовского на сцене зал разразился такими оглушительными овациями, что Марко Армильято пришлось остановить оркестр и позволить публике сказать свое слово — это продолжалось до тех пор, пока Дмитрий жестом не поблагодарил их за поддержку.

Его пятничное выступление не было лишено недостатков: временами голос плохо было слышно, неидеально прозвучало верхнее "соль" в "Il balen del suo sorriso". В целом же исполнение этой арии было ярким, страстным. Хворостовский продемонстрировал красоту своего "карамельного" тембра, плавное звуковедение, почти бесконечное дыхание, что делает его одним из самых выдающихся баритонов своего поколения. При всей эмоциональности сюжета и самого вечера, русский баритон держал свои эмоции под контролем. Его Ди Луна хладнокровен, уверен в себе и всегда точно знает, чего хочет, даже в моменты ярости", — написал музыкальный критик Эрик С. Симпсон в рецензии на это спектакль (цитируется по публикации на ресурсе OperaNews (16+)).

Спустя 2 года, а точнее, 22 ноября 2017 года в возрасте 55 лет Дмитрий Хворостовский ушел из жизни. Смерть победила.

К чему я это? А к тому, что в оперном мире, не говоря уже о мире вообще, закрепилось мнение о "Трубадуре" как об опере с довольно несуразным сюжетом, но гениальной музыкой. Но на самом деле в этой истории всё гораздо серьезнее. Memento mori, говорили в Древнем Риме, memento mori… И ставили за спиной всесильного военачальника ничтожного раба, который был обязан периодически напоминать триумфатору, что, несмотря на свою славу, тот остается смертным. Позже мотив memento mori породил особые жанры — vanitas-натюрморты с черепами и часами и "пляски смерти" в средневековых фресках. Быть может, спектакль "Трубадур" в сцене Приморской Маринке — одна из таких оживших фресок?

На такую мысль наводит не только сценография и костюмы с преобладанием "костровых" цветов (красное с черным, золото с серым — огонь, головешки, зола), но и строго выверенные, акцентные действия артистов миманса и балета.

Но Вячеславу Стародубцеву, музыкальному режиссеру, не устающему удивлять зрителя поисками смыслов, подтекстов и неожиданных параллелей (вспомним хотя бы остроумное превращение гусара Василия в Остапа Бендера в постановке "Мавры" (12+) Стравинского, осуществленной не так давно режиссером в малом зале Приморской Мариинки), и этого мало.

Харизматичная мстительница Азучена появляется на сцене среди веселящихся цыган и кузнецов-молотобойцев верхом на лошади и, не слезая с нее, начинает петь свою выходную (выездную?) арию, в которой рассказывает ужасную историю гибели на костре своей матери. Сцена на протяжении всей картины в таборе озарена красным светом, символизирующим и пламя, и кровь, и жажду кровной мести, и клятву на крови. Поистине этюд в багровых тонах.

Впечатляет также сцена дуэли Манрико и Ди Луна, в которой солисты поют и одновременно обмениваются сражаются на шагах. Получается не только сражение двух непримиримых соперников, но и своеобразное состязание голосов. Делать разом две вещи — сражаться и петь неимоверно трудно, зато борьба и ярость получается настоящие, а не наигранные, иллюстративные. По лицам артистов катится реальный пот, они прилагаю реальные физические усилия. И самое пение становится частью этой реальности, результатом борьбы и ярости.

Соединяются элементы реализма и в то же время элементы театральной условности. Поистине, гремучая смесь!

Позже это вокальное состязание, разъясненное во времени, повторится. Ди Луна скажет о своей любви к Леоноре в арии Il balen del suo sorriso… Per me, ora fatale. Причем очень нежно и лирично, не в духе канонической трактовки этого сурового, брутального образа. Как будто выплеснет светлую часть своей души, в которой будет и любовь к женщине, и любование ее красотой, и тоска по утерянной семье, и мечта о заботливой матери.  

В ответ через некоторое время раскатисто и грозно прозвучит кабалетта Манрико со всеми вставными высокими нотами. И не просто прозвучит, но и покажет, почему после премьеры оперы в 1853 году кабалетта была воспринята итальянцами как призыв к продолжению борьбы за независимость.

Несчастная мать! Я лечу, чтобы спасти тебя,

Или, если ничего не выйдет, умереть вместе с тобой!

Это ведь не только об Азучене, но и об Италии.

Поднимайтесь на борьбу!

Мы бросим вызов врагу!

Это ведь обращено не только к отряду Манрико, который следует за ним шаг за шагом, готовясь к решающей битве с войском графа Ди Луна. Это призыв ко всем итальянцам принять участие в Рисорджименто.

Великолепно решена сцена допроса Азучены. Страшная, мистически страшная цыганка-мстительница одним своим видом пугает стражников, ну а когда начинает петь вооруженные копьями воины малодушно отшатываются от нее. Даже суровый вояка начальник графской стражи Феррандо стушевался. И только граф Луна сохраняет хладнокровие — попивает кофеек из чашечки-наперстка, веля слуге подлить еще (еще-еще, мой мальчик) и даже не оборачивается, чтобы посмотреть на грозную цыганку. Так, небрежно повел плечиком, словно надоедливую муху походя смахнул. И Азучена побеждена. Граф таскает ее за волосы, а Феррандо, как ворон, почувствовавший поживу, смело начинает душить ее.

Еще одно инверсное решение — движущиеся платформы, с помощью которых действию придается характер некоей кинематографичности (так в свое время Всеволод Мейерхольд придумал выездные площадочки для своей знаменитой постановки "Ревизора" (16+) в 1926 году). Плюс пантомима и танец на заднем плане. Два мальчика-близнеца, чье появление отсылает нас и к началу всей этой трагической истории, и к ее финалу. Параллельный монтаж во времени и пространстве, в реальности и подсознании. 

Перечислять можно много, но пора и остановиться.

"Вообще Верди — это гениальный драматург. И вся его музыка идет от эмоций. А еще он блестящий знаток психологии, знаток всех тонкостей человеческой души и театральной эмоции. И музыкальная драматургия, которая заложена в партитуре, диктует сюжет оперы. Когда погружаешься в музыкальную драматургию, становится всё ясно и понятно по развитию эмоционального каркаса оперы. И как только я это понял, мне стало невероятно легко. Я понял, что мы должны сделать современный, яркий и понятный сегодняшнему зрителю спектакль, отталкиваясь не только от классического прочтения оперы, но и с помощью художественных средств", — пояснил Вячеслав Стародубцев.

По словам художника-постановщика спектакля Петра Окунева, вместе с режиссером-постановщиком они пытались максимально упростить сценографию и костюмы, но так, чтобы это не смотрелось ни бедно, ни даже как-то минималистически.

"То есть минимум средств — максимум результатов. Это касается и костюмов, и декораций. Но это было не столько упрощено, сколько доведено до минимума того, что было необходимо", — сказал Петр Окунев.

"Нам трудно, но мы счастливы" 

Еще один и, пожалуй, очень важный момент. В Приморской Мариинке всерьез отнеслись не только к гениальной музыке Верди (ну а по-другому разве возможно?), но и к "несуразному" либретто. Главный дирижер Приморской Мариинки Павел Смелков на пресс-конференции, состоявшейся накануне первого премьерного показа, решительно взял под защиту либретто Каммарано и Бардаре, искренне удивившись: "А что не так с либретто?", обратив внимание на присутствие в пьесе Гутьерреса и, соответственно, в либретто одного редкого для оперного театра приема, который, по мнению Смелкова, вполне удался Верди.

"Это взгляд с двух сторон на одну и ту же ситуацию, которая была много лет назад и имела абсолютно детективный характер. История гибели матери Азучены и похищения ребенка сначала звучит исходя из взгляда официального, взгляда властей, а потом эту же историю рассказывает сама Азучена. И вот этот прием описания одного события с двух сторон сродни приему литературного жанра — романа в письмах. Например, "Лунный камень" (12+) Коллинза — это роман в письмах и при этом детектив. А здесь опера-детектив, в которой этот прием реализован замечательно. Но он хорош еще и тем, что совершенно по-разному окрашен эмоционально с помощью музыки", — сказал Павел Смелков.

Появление "Трубадура" в репертуаре Приморской сцены не случайно. Дело в том, что наряду с "Травиатой" (12+) и "Риголетто" (12+) "Трубадур" образует так называемую "популярную трилогию" Верди ("Трубадур" был написан после "Риголетто" и шел в театрах одновременно с "Травиатой"). "Травиата" и "Риголетто" давно и успешно идут на сцене Приморской Мариинки, они полюбились зрителям. Так что постановка "Трубадура" как бы напрашивалась сама собой.

Однако опера эта особая, поскольку требует четырех сильных исполнителей на главные роли — графа ди Луна (баритон), герцогини Леоноры (сопрано), цыганки Азучены (меццо-сопрано) и трубадура, приемного сына Азучены и родного брата графа Манрико (тенор). Ну как тут не вспомнить крылатое выражение, выпущенное в мир легендарным Энрико Карузо: "Главная проблема при исполнении “Трубадура” заключается в том, что для этого необходимы четыре самых лучших певца в мире". Хотя, на самом деле, неплохо было бы подумать и о пятом: абсолютно шлягерная ария Феррандо, начальника графской стражи (бас), с которой начинается опера, создает задел зрительского восприятия всего действия. От того, насколько хорошо она будет исполнена, будет зависеть многое.

Конечно, Карузо был по-южному темпераментным человеком, а южный темперамент допускает некие красоты и гиперболы в высказываниях. Но, ей-богу, находясь в зале Приморской Мариинки 23 мая, я чувствовал, что мне в этот вечер действительно поют самые лучшие певцы мира!

Можно только догадываться, какую титаническую работу провели художественный руководитель оперной труппы Приморской сцены Мариинского театра Ирина Соболева и главный дирижер театра Павел Смелков, подбирая состав исполнителей. Зато подобным образом достигается еще одна важная задача — поднять уровень каждого певца, принимающего участие в постановке.

"Коллектив должен иметь опыт исполнения вердиевской музыки. Понятно, что первые оперы Верди, которые здесь создавались, потребовали большого труда. Сейчас у нас уже есть опыт изучения этого материала, опыт его понимания. Все, конечно, слушают записи спектаклей оперных театров, где исполняется эта опера, и студийные записи. У нас есть на что ориентироваться. Но самым главным ориентиром для нас остается партитура Верди и очень точное ее исполнение. Вот к этому мы сейчас и идем. Трудно певцам, потому что у них масса задач, которые они должны выполнить в этом направлении. Нам тоже трудно, но мы счастливы", — сказала Ирина Соболева на пресс-конференции.

Как признался режиссер-постановщик спектакля Вячеслав Стародубцев, он боялся приступить к "Трубадуру" как раз из-за сложившихся стереотипов по поводу либретто, непонятностей сюжета, некоей необоснованности и нестыковок, которые очень трудно передать зрителям сценическим языком.

Помогло глубокое погружение в партитуру веридиевской оперы — "до миллиметра, до каждой паузы, до каждой ноты", как выразился Стародубцев. А также сегодняшнее состояние оперной труппы, солисты которой научились соединять музыкальное и драматическое составляющие образа. Здесь, как сказал бы Антонио Сальери,  

"У Верди очень богатый, очень сильный, большой разбег, очень богатая палитра эмоций, от полной уверенности в себе и до плача. И если это петь бравурно, тогда одна эмоция на протяжении всего спектакля и останется. А мы постарались найти всю палитру вердиевских музыкально-драматических раздумий, скажем так. Поэтому в спектакле есть и плач, есть и бравурная часть, и вся эмоциональная сложность и многогранность. И у Азучены, и у графа", — объяснил Вячеслав Стародубцев главную постановочную идею.  

Эмоции на сцене, эмоции в зале. А для чего еще нужен театр?

И эмоции были! И на сцене, и в зале. Казалось, зрители поставили себе задачу втиснуть свои аплодисменты и крики "Браво!" в любую паузу — не только после арии, но и внутри ее. Конечно, так делать в оперном театре нельзя, но… что сделано, то сделано. Тем более что эмоции, когда они идут о души, сдержать очень трудно. Даже по прошествии нескольких дней после спектакля.

Итак, по Стародубцеву, в центре повествования находится история цыганки Азучены — персонажа, чья душа раздираема внутренними противоречиями. Через всю жизнь она пронесла страшную картину смерти своей матери на костре и ее предсмертные слова о мести. Эта жажда возмездия стала движущей силой ее существования. Парадоксально, но Азучена умела и любить. Ребенок, похищенный ею для осуществления мести, стал ее сыном по воле жестокой судьбы. Часть ее души видела в нем своего собственного ребенка, которого она обрекла на страшную гибель в пламени. Вся боль, отчаяние, материнская любовь и ненависть за то, что ее собственный сын погиб, а этот ребенок остался с ней — всё это перенесено на Манрико. Он и любимое детище, и орудие возмездия, свершение которого наверняка окончится для Манрико трагедией. Вот такая палитра.

Сценическое воплощение образа Азучены впечатляет. В моменты ее появления на сцене зритель видит два образа: поющую Азучену в великолепном исполнении Лауры Бустаманте и Азучену, мечущуюся в языках пламени, в чутком исполнении Алены Уманец. Это символизирует мятежную душу цыганки, разрывающуюся между любовью и ненавистью. К финалу спектакля кажется, что жажда мести всё-таки одерживает верх. Стремление отомстить приводит к гибели Манрико. Словно вновь бросив дитя в костер, она спустя годы осуществляет месть, которую вложила  ей в сердце мать в последние минуты своей жизни. Азучена никогда не забывала о мести, постоянно подталкивая Манрико к убийству брата. В ее душе жила мысль, что убийство графа станет достаточной расплатой за смерть матери. Исполнительница роли — меццо-сопрано Лаура Бустаманте — блестяще воплотила этот образ как вокально, так и драматически. Ее голос то звучит то жестко и непреклонно, то дрожит от сомнений, страха и любви, демонстрируя удивительную гибкость в изображении этой человеческой трагедии.

Второй главный женский образ в опере — Леонора. И этот образ предстает пред зрителями как воплощение безусловной любви — чистой, искренней и всепрощающей, подобно любви материнской.

Молодая и талантливая певица Самира Галимова создает образ героини, готовой на любые жертвы ради любимого человека. В отличие от противоречивой Азучены, в которой переплетаются чувства любви и ненависти, Леоноры несет в себе любовь цельную и непоколебимую. Манрико находит с ней душевное равновесие, поскольку рядом с ней нет места сомнениям и противоречиям. Даже в моменты ревности к Графу, когда он не сразу видит глубину ее чувств, в конечном счете, он понимает, что ее любовь чиста и не может быть запятнана ничем.

Кульминация наступает, когда Манрико осознает, что жертвенная любовь Леоноры достигла своего пика, но обретя ее, он теряет возлюбленную навсегда — героиня погибает. Это трагическое понимание разрывает его сердце. Вокальный дар Самиры Галимовой поражает своей глубиной и выразительностью. Ее сопрано, богатое оттенками и сильное по звучанию, наполняет весь зал. Каждый нюанс душевных переживаний героини находит отражение в пении, создавая ощущение совершенной гармонии. В исполнении певицы любовь, привязанность и милосердие звучат особенно убедительно, превращая каждую ноту в проявление высшей красоты всепоглощающей любви.

Трубадур Манрико предстает перед нами как глубоко противоречивый персонаж, балансирующий между двумя мирами. С одной стороны он — некогда похищенный сын графа, которого неустанно искали отец, а теперь и брат. С другой — мужчина, воспитанный цыганкой Азученой по правилам ее мира, пропитанный любовью и ненавистью своей madre.

Внутренний конфликт героя усугубляется отсутствием безусловной материнской любви. Лишь в отношениях с Леонорой он находит то глубокое чувство, которого так не хватало ему в жизни. Его любовь к ней — особенная, не похожая на все другие переживания. Ради нее он готов бросить всё и отдать себя чувству без остатка.  Парадоксальным образом в душе героя живет и чувство потери. Не ведая о своем происхождении, он неосознанно тянется к графу. Даже когда Азучена требует убить его кровного врага, Манрико не способен на этот поступок, несмотря на всю их противоположность и ревность к Леоноре. Он не понимает, почему поступает подобным образом, но всё-таки поступает. Мастерство Саяна Исина позволяет зрителю увидеть эту внутреннюю борьбу. Она прочитывается в каждом нервном, порывистом движении артиста, слышна в его голосе.

Исполнитель блестяще справился с вокальными сложностями партии, наполненной высокими нотами и драматическим накалом страстей. Созданный Исиным образ — по-настоящему яркий и страстный. Его Манрико вызывает искреннее сочувствие, особенно в финале истории. Судьба уберегла его от гибели в детстве, но спустя годы пламя мести всё-таки поглотило героя, так и не узнавшего всей правды о себе. В этом образе переплетаются трагедия непонимания, сила любви и роковая предопределенность судьбы.

В опере мы встречаем четырех главных героев, несущих свою уникальную историю и трагедию. Особое место в этой драме занимает Граф ди Луна — младший брат Манрико, чья судьба становится символом бесконечной утраты и поиска. Граф ди Луна — это жертва обстоятельств, человек, оставшийся совершенно одиноким — без родителей, без брата. Всю жизнь он преследует только призраки утраченной любви — материнской любви, любви близких. Завещание отца о поиске брата лишь усугубило его душевные раны, постоянно напоминая о потере.

В сознании Графа его брат всегда присутствует где-то рядом, что символически подчеркивается появлением на сцене двух мальчиков-близнецов. Это бесконечно страдающий человек на грани нервозности, а то и истерии. В моменты, когда другие проявляют беспокойство, он остается внешне бесстрастным, но его внутренние эмоции находятся на пределе.

Его одержимость Леонорой выходит за рамки обычной страсти. Она становится для него воплощением того, что было отнято. Леонора не просто женщина, она еще и символ непознанной материнской любви. В отличие от Манрико, который, несмотря на похищение, все же познал материнскую любовь, Граф лишен этого дара. Хрупкость его натуры вызывает желание защитить его. Феррандо, сопровождающий его, становится не просто рассказчиком, а наставником и хранителем, пытающимся уберечь Графа от падения в бездну. Но Граф должен пройти свой путь — через страсть к Леоноре, столкновение с братом, через становление и взросление.

Постепенно он осознает, что Леонора никогда не ответит ему взаимностью — ни как женщина, ни как символ материнской любви. В этот момент он наконец находит некое подобие покоя. Но судьба готовит ему новый удар: человек, которого он ненавидел и с которым соперничал, оказывается его братом, которого он убил. Этот факт становится сокрушительным ударом для его вконец истерзанной души. В финале Граф остается один в момент крушения всех надежд, и рядом нет даже верного Феррандо.

Алексей Репин, исполняющий роль графа Ди Луна, создает удивительный образ, балансирующий между хладнокровием и безумием. Его Граф подобен волне — накатывающей и вновь отступающей. Исполнитель мастерски сочетает великолепный вокал с тонкой актерской игрой, создавая образ, вызывающий искреннее сочувствие у зрителей. Несмотря на порой иррациональные поступки, Граф не вызывает ненависти — зрители, зная его историю благодаря рассказам Феррандо и Азучены, глубоко сопереживают ему.

Особенно пронзительным становится момент, когда Леонора проявляет к нему теплые чувства, пытаясь спасти любимого. Граф принимает эту ласку с опаской и трепетом, позволив себе на мгновение обмануться. В этот момент зритель по-настоящему сострадает ему.

В исполнении Алексея Репина Граф ди Луна предстает как яркий пример того, как вокальное мастерство и актерская игра могут создать многогранный, глубоко проработанный образ, заставляющий зрителя переживать за судьбу героя до самого финала.

Как уже говорилось, в данной постановке Феррандо, приближенный графа, выходит далеко за рамки обычного рассказчика. Его роль трансформируется из простого повествователя истории страшной мести в полноправного участника драмы в одну из значимых фигур спектакля.

Его безмолвное присутствие сопровождает графа на протяжении всего действия. Он — последняя нить, связывающая графа с утраченной семьей, его тень, его совесть. Беспокойный взгляд, готовность прийти на помощь, стремление уберечь своего господина от роковой участи — все это делает его образ глубоко человечным и пронзительным. Исполнительская трактовка Доржцэдэна Бат-Эрдэне раскрывает в Феррандо удивительное сочетание благородства, мудрости и заботы. Музыкант создает образ, в котором каждый жест, каждый взгляд наполнен глубоким смыслом.

В оперном полотне также ярко выделяются спутники главных героев: Инес, подруга Леоноры в исполнении Виктории Кангиной и Руис, верный соратник Манрико в интерпретации Романа Круковича. Несмотря на относительно небольшие партии, эти персонажи играют важную роль в раскрытии драматургии. Их появление на сцене добавляет важные детали к портретам главных героев, подчеркивает ключевые моменты повествования и создает необходимый эмоциональный фон для развития основной сюжетной линии.

Каждый из персонажей, будь он центральным или второстепенным, вносит свой неповторимый вклад в создание целостного художественного образа спектакля, делая его многослойным и многогранным.

Этот спектакль не оставляет равнодушным никого. Восхищение вызывает не только вокальное мастерство исполнителей, но и их актерская игра, а также безупречная сценическая постановка.

Постепенно, словно открывая для себя новые грани произведения, зритель замечает, как идеально переплетаются голоса певцов и звучание оркестра. Это удивительное единство не сразу бросается в глаза — гармония, подобно драгоценному камню, раскрывается постепенно, позволяя насладиться каждым ее элементом. Под чутким, вдумчивым руководством дирижера оркестр достиг небывалых высот, слившись с голосами музыкантов в единый совершенный инструмент. Каждый исполнитель находился на своем месте, каждый звук был настроен на общую гармонию, создавая невероятное музыкальное полотно. Хочется отдать должное главному дирижеру Приморской Мариинки Павлу Смелкову, чье несравненное мастерство делает возможной эту гармонию.

Опера, будучи универсальным языком человечества, в этот вечер вела проникновенный диалог со зрителем. И зритель отвечал — сначала затаенным дыханием, затем шквалом аплодисментов, а позже — глубокими эмоциями, которые останутся в душе надолго. Музыка действительно говорила в этот вечер с каждым зрителем. И язык ее был понятен каждому, кто присутствовал в зале.

И вот что еще хочется добавить. Спектакль "Трубадур" в пятницу, 23 мая, не просто очередная премьера, а настоящее произведение искусства, достойное самых высших наград, таких, например, как Российская национальная театральная премия "Золотая маска". Этот спектакль должен остаться в памяти не только как яркое событие одного вечера, но и как образец того, каким должен быть театр высокого уровня.